• Le cubisme 1906-1914

     

     

    Le cubisme naît au départ sous l’influence de Cézanne, Les grandes baigneuses (1899-1906) œuvre majeure, est construite et géométrique dans la forme des baigneuses. C’est ainsi que les toiles de l’artiste vont évoluer vers un mouvement plus structuré, géométrique que chez les Fauves.

    Le cubisme 1906-1914Cézanne: Les grandes baigneuses, 1839. Huile sur toile, Philadelphia Museum of Art.

      

    Le cubisme a néanmoins subit une classification, sur trois périodes :

    La première de 1906 à 1908 inspirée par les œuvres de Cézanne et selon Picasso influencée par « l’art nègre », un art primitif, est appelé cubisme Cézannien.

      

    Picasso: Le reservoir à Horta

    Pablo Picasso : Le réservoir à Horta, 1909.

      

     La seconde,  entre 1910 et 1912, les formes, les figures se déstructurent, se fragmentent dans l’espace, toute perspective devient absurde et décomposée à son tour, c’est le cubisme analytique.

     Le cubisme 1906-1914

     

    Georges Braque, Broc et violon, 1909-1910. Huile sur toile 117 sur 73 cm, Kunsmuseum Bâle.

     

     La troisième et dernière classification, à partir de 1912 fragmente la réalité sous forme d’un puzzle, de papiers coupés et recollés, c’est le cubisme synthétique.

    Nature morte à la chaise cannée, Picasso, 1912. 29 sur 37 cm, Muséee National PIcasso.

       

    Le cubisme orphique de 1912 à 1914:

     

    Les artistes utilisent la lumière, le cercle chromatique pour créer une harmonie. Robert Delaunay est le fondateur de ce mouvement, Hommage à Blériot 1914.

    Hommage à Blériot, Robert Delaunay, 1911. Kunstmuseum, Basel.

     

      

    Pablo Picasso est bien entendu le maître incontesté du Cubisme. Durant sa vie d’artiste il a traversé différentes périodes. Tout d’abord la période bleue de 1901 à 1904, où Picasso aborde des thèmes comme la vieillesse, la pauvreté, la mort, de plus les couleurs de ses tableaux restent dans les teintes bleutées. (La vida 1903). La période rose de 1904 à 1906, il aborde ici des thèmes comme l’amour, la nostalgie, mais aussi la joie, il utilise des couleurs plus rouges. Il est influencé par le monde du zoo et du cirque, il peint des personnages comme Arlequin, des clowns… (Les saltimbanques 1905). De 1907 à 1909 il s’inspire beaucoup de l’art africain, l’art primitif.

     

    Les demoiselles d’Avignon :

     

    Les demoiselles d'Avignon

      

    Les demoiselles d'Avigno, Picasso, 1907. 243,9 × 233,7 cm, huile sur toile. Museum of Modern Art.

      

    Huile sur toile, format 243,9cm * 233,7cm, presque carré, lieu de conservation : New York, Museum of modern art, contexte. Le premier nom était le bordel d'Avignon.

     

    Scène de genre dans une maison close, dans la rue d'Avignon à Barcelone (alors qu'il l'a peint à paris). Il devait y avoir 5 femmes et deux hommes dans les premiers dessins de Picasso (un marin et un étudiant en médecine). Picasso a décidé d'enlever un homme et une femme de la toile. Le personnage de droite était un homme (un marin) qu'il a décidé de transformer en femme. La toile a mis énormément de temps à se réaliser, 809 études, esquisses d’aquarelle ont été faite (de l'automne 1906-juillet 1907). Les traits de l’artiste sur cette toile sont énergique, il y a des angles aigus, les femmes sont dans des aplats géométriques. Le cadrage lui est serré et drapé, les femmes sont un peu coupées, le plan est en pieds. Nous avons une vue de face sans perspective

     

    5 femmes nues sont répartis sur tout l'espace du tableau et proches les une des autres. Le chiffre 5 signifie une harmonie, un équilibre et représente l'anatomie de l’Homme, il renvoi également aux origines, aux 5 sens (la sensibilité puisque qu'elle est présente entre les clients et ces femmes).  3 parties, 3 rectangles composent la toile, les 2 rectangles extérieurs ont la même taille. Beaucoup de figures géométriques déstructurent le tableau et cela est contradictoire puisque les 3 rectangles sont équilibrés. On est dans un seul et même espace, une pièce et les 5 femmes nous sont montrées sous différents point de vue : celle de gauche son profil droit, la suivante de face, la troisième de trois quart, ensuite de profil gauche et en bas à droite de dos mais on voit son visage de face ce qui est inhumain. Au Premier plan il y a une nature morte cela renvoi aux coupes de fruits que peignait Cézanne, peintre que Picasso appréciait.  

     

    Le peu de profondeur se fait grâce à la couleur, les femmes sont mis en avant grâce aux couleurs chaudes, le fond de couleurs froides permet cette profondeur. Il n’y a pas de lumière naturelle, on ne sait pas trop d'où elle vient, lumière artificielle de la pièce sûrement. Les tons sont plutôt ocre à droite, gris, bleu, ocre. Cela montre toutes les teintes de la palette du peintre. Les femmes sont dans des couleurs chaudes (rose, orange..) qui contraste avec les drapés derrière elles qui sont des couleurs froides (bleu, gris..) et complémentaires (le brun et le bleu). Le personnage de gauche est uniquement de couleur ocre, ce qui rappelle l'antiquité, la terre, elle tient un rideau. Cela évoque l'esprit théâtral, comme si le tableau avait une histoire à raconter. Cette femme représente la figure de la statue ibérique, clin d'œil à l'art antique, l’Egypte.

     

    Au centre les personnages sont de face ce qui montre l'évolution des points de vue et à l'époque cela a choqué car l’on voit son sexe. Les 2 personnages du milieu nous regardent sans nous regarder nous spectateur, elles ont un regard vide, pas d'expression sur le visage. Il y à l'idée de voyeurisme sur laquelle Picasso insiste, il s'inspire notamment d'Ingres avec le "bain turc". Le personnage de droite au centre à les cuisses ouvertes, elle est dénudée, mais un peigne blanc cache son sexe. C'est le seul personnage qui a un chignon, cela évoque le respect, l'autorité et renvoie à la figure de la mère de Picasso. Dans la partie bleue l’artiste montre une évolution picturale influencée par Gauguin, Van Gogh, Matisse. Les hachures renvoient au sacrifice de certaines tribus africaines. L'homme/femme face à sa mère serait son père et cela renverrait à la scène primitive (l'acte amoureux). Picasso est fasciné par ses parents et cela se retrouve souvent dans ses toiles. De plus, on retrouve la morphologie du visage du peintre dans les 3 femmes de gauche (de par les grandes oreilles et le nez), ces visages pour la plus part ont l'air fascinés par le couple. Le père aurait la morphologie de Picasso qui nous regarde, son œil droit clair oblique va en direction des seins de la mère et cela renvoie au besoin maternel de Picasso. L'œil gauche gris va vers le sexe de la femme n°2, pour l’artiste cela renvoi à son besoin de désir sexuel en tant qu'homme. Son nez rejoint le sein maternel et le sexe de la femme n°2 (ce nez est comme en érection). Le fait que son nez soit barré à l'extrémité rompt le lien avec le désir car c'est ce qui sépare une mère de son enfant. C'est comme si la tentative des demoiselles d'Avignon pour séduire avaient échoué. Le corps humain est bien représenté les femmes ont les bras levé pour mettre leur poitrine en valeur ou les jambes écartées pour aguicher le client. Lors de l’exposition de la toile, les amis et les critiques seront choqués de l'œuvre. Œuvre très peu montrée et qui restera dans l'atelier jusqu'en 1916 (soit 9 ans). En 1920, elle est achetée par un collectionneur et exposé en 1937 seulement lorsque Picasso est déjà connu.

     

    Cette toile rappelle l'histoire de l'art. De plus, on remarque l'importance qu'a la famille de l’artiste dans sa vie. Malgré que ce soit du cubisme le genre classique est lui aussi apparent avec le nu, la scène de groupe et la nature morte, mais avec un  traitement complètement différent de ce que l’on connaissait.

     


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