Après la seconde guerre mondiale, dans les années 50 les villes sont réaménagées dût à leur destruction, les gens sont en deuil face aux nombreux soldats tués, aux juifs exterminés... Alors les artistes créés des oeuvres plus abstraites, les courants artistiques sont très proche aux Etats-Unis et en Europe, ces deux grands alliés de la guerre.

Ce courant est né à New York depuis les années 40 jusqu'à la fin des années 50, apellé d'ailleurs "l'école de New York". Le terme "abstrait" apparût dans les années 20 décrivant une oeuvre de Kandinsky. Les peintres qui créés des oeuvres abstraites exteriorisaient à travers celles-ci leur inconscient, par le geste, la couleur et la matière.

Jackson Pollock, Number, 1950.

Jackson Pollock est un artiste Américain, l'un des premiers reconnu appartenant au mouvement de l'Expressionnisme abstrait, ses oeuvres d'ailleurs sont aujourd'hui connues dans le monde entier. Cette oeuvre ci-dessus est une des nombreuses expérimentations qu'a réalisé l'artiste, ce que l'on appelle le "dripping". Pour créer cet effet, Pollock perçait le fond d'un pot de peinture et versait sa contenance aléatoirement sur une toile posée à même le sol, ces toiles pleines de coulures, couleurs, éveillent notre imagination.

Ce courant se définit comme être spontané et en dehors de toute figuration. Le geste de l'artiste est primordial, à rapprocher du domaine de la calligraphie. 

George Mathieu, Un silence de Guibert de Nogent, 1951.

George Mathieu est un artiste français, le chef de fil de l'art lyrique.

Henri Michaux, sans titre 1959-1960.

Henri Michaux est un écrivain, poète et peintre français qui utilisa l'aquarelle et l'encre de chine, deux techniques légères pour retranscrire le monde de l'écriture, la calligraphie.

Hans Hartung, Composition, 1947

Dans ses oeuvres Hans Hartung est moins spontané. On peut remarquer que cette oeuvre ci-dessus est plus structurée, composée, les traits plus maîtrisés, des croquis préparatoires ont été fait auparavant.

Alfred Manessier, Salve Regina, 1945.

Dans les oeuvres d'Alfred Manessier, il n'y a pas de gestuelle spontanée mais une géométrisation, la couleur a une grande importance, il est plus proche de la figuration que les autres peintres.

Ce sont les artistes du XIXème siècle qui ont commencé à imaginer de faire du monochrome mais de manière comique et statique. Gustave Doré illustrateur, peintre, sculpteur et graveur français du XIXème siècle illustrait des histoires pittoresques, des fables, contes. Il a écrit un ouvrage caricatural notamment tournant en dérision la Russie. Certaines pages du livre sont noires et parsemées de quelques taches rouges exprimant les crimes d'Yvan le terrible, elles invoquent les ténèbres, comme cela on ne retient que l'essentiel.

L'Album Primo-Avrilesque d'Alphonse Allais, 1897.

Cet album fait partit des "Arts incohérents", il s emoque du salon officiel. Pour le moment, les monochromes sont toujours associés à un texte que ce soit dans le livre de Gustave Doré ou l'Album d'Alphonse Allais, celui-ci contrairement au précédent est un petit livre drôle qui inspirera l'artiste Yves Klein.

Yves Peintures, 1954.

Yves Klein artiste français du XXème siècle, a réalisé 10 planches en couleur, en hommage au livre d'Alphonse Allais, le monochrome n'est donc pas sont invention. Klein est connu surtout pour son bleu "international klein blue" qu'il utilisera dans la plupart de ses oeuvres.

Avant la seconde guerre mondiale, de nombreux artistes abstraits ont commencé à faire des recherches sur des phénomènes optiques non pas dans un objectif narratif mais scientifique. La limite entre l'Op'Art et l'art cinétique est tr_s mince puisqu'ils ont tout deux des visées semblables. Cependant, l'art cinétique s'éloigne peu à peu de la peinture contrairement à l'Op'Art. Vasarely chef de file de l'Op'Art a effectué de nombreuses recherches et expériences en rapport avec l'architecture, les décors, le quotidien... L'Op'Art s'est notamment développé dans le domaine de la publicité. Les artistes appartenant à l'art optique utilisent des matériaux non picturaux (métal, verre, matières plastiques...), les matières transparentes et réfléchissantes sont beaucoup recherchées pour leurs résultats étonnants et intéressants.  L'art optique s'est développé alors dans plusieurs pays. 

Vasarely (1906-1997) 

Artiste Hongrois considéré comme le père de l'Art Optique.

Cette oeuvre se situe dans une cathédrale où les fidèles peuvent se recueillir devant d'immenses compositions noir et blanc. Ces collages sur du contreplaqué permettent une illusion d'optique et agrandissent cette salle de prière. Cette installation nous offre une atmosphère mystérieuse et harmonieuse grâce diverses formes géométriques et régulières.

Dès 1960, la couleur intervient dans les oeuvres de Vasarely appellées "Folklore planétaire". Vasarely les distingue comme des oeuvres "composées de deux éléments géométriques qui s'emboîtent l'un dans l'autre, se combinent, se permutent." A travers ses oeuvres, Vasarely créé un alphabet plastique. Ses premières oeuvres reprennent le concept que voulaient réaliser les premiers artistes abstraits, soit de se faire comprendre par tout le monde. Alors en créant cette alphabet plastique, Vasarely va pouvoir inventer des oeuvres aux divers formes et couleurs, il réalise de nombreuses expériences optiques. C'est un art combinatoire ou les oeuvres sont codifiées et peuvent être réalisé à l'infini.
 

De 1964 à 1976, Vasarely se tourne vers des compositions plus cellulaires, il créé une série d'oeuvres intitulée "L'hommage à l'hexagone". Dans cette série d'oeuvres le relief paraît être en constante évolution des creux et des reliefs plus ou moins élevés transforment ces oeuvres. Les couleurs utilisées permettent d'accentuer les effets d'optiques, trompes l'oeil. En 1965 il participe à l'exposition "responsive eye" au Musée d'Art Moderne de New York. On montre ses oeuvres comme des suggéstions du mouvement mais sans le représenter vraiment, c'est à ce moment là que Vasarely est considéré comme le maître de l'art optique.

De 1964 à 1970, Vasarely renoue avec le dessin c'est sa période Vonal (trait). Son travail est semblable aux premières oeuvres qu'ils avait réalisé en noir blanc. C'est un travail avec des lignes, des surfaces zébrés, dans ses oeuvres règne une harmonie grâce aux lignes parallèles, mais ici il apporte donc de la couleur ce qui accentue les effets optiques désirés. Notre regard dans ses toiles se dirige vers le centre de celles-ci avec le dégradé des couleurs et formes, des proportions décroissantes.

Dès 1968, Vsarely commence à déformer les lignes, il définit ses oeuvres comme "structures universelle", c'est ensuite qu'il entre dans sa période "Vega. La période "Vega" c'est le gonflement de ces structures, la déformations des lignes créant des formes échappant au plan. Vasarely à travers ces oeuvres veut nous montrer la mutation biologique des cellules.

De 1960 à 1968, un groupe  de recherche en Arts Visuels à été créé en France : GRAV (groupe associé à l'art optique et à l'art cinétique).

Horacio Garcia Rossi, couleur lumière, 1984.

Horacio Gracia Rossi est un artiste appartenant au GRAV, il s'intéresse à la lumière et la retranscrit grâce à la peinture, en tant que spectateur nous avons l'impression qu'il s'agit de lumière et non d'un dessin.